【蓝色时期】

这是毕加索的成名时期,他的作品背景蓝、人物蓝、头发、眉毛、眼睛,目力所及全部都是蓝色,蓝色主宰了他的一切作品。那时候,蓝色是贫穷和世纪末的象征。那么作品的内容和人物大家也就可想而知。这个时期的作品流露出一股深深的忧郁和悲伤。

这幅名为《生活》的画是毕加索蓝色时期的代表作。画面上一共有7个人物,左侧一对的情侣,比喻放纵的爱情,男人的手指向右边,女人循着手指望过去,显得惶惶不安。右边一个抱婴孩的母亲,象征着生活的重负,母亲一脸沧桑, 看着前面的男女,神色冷峻,目光严厉,好像有责备的意味。背景是两幅素描,女人的姿势都是缩成一团,两幅画,由两人到一人,揭示出从相依为命到孤苦无依的生活境遇。

每个人的表情都是相当的苦大仇深,沉重之感扑面而来。

【玫瑰红时期】

1904年春,毕加索迁居巴黎,与菲尔南德•奥里威尔的同居,他为时两年的蓝色风格时期也宣告结束。那种暖洋洋的粉红色代替了沉重抑郁的一片蓝色,青春和爱情活生生地出现在画面之上。

毕加索从后印象派色调的精细中重新发现形体上的大略简洁笔法,而这就是“玫瑰红时期”的典型画法。

而逐步的了解了毕加索的你会发现,历史上各个时期的典型画法,他真是逐一尝试了个遍...

仔细观察画中的男士,他的帽子和服装暗示着他的职业。没错,这个时期的毕加索对流浪艺人和杂技演员有着浓厚的兴趣。

这两个时期的毕加索给了T君一种非常强烈的视觉冲击。不禁认为毕加索是一个偏激又固执的人,认定了哪种颜色,索性就使用到底。不过,这持续期未免也太短了点...

【立体主义时期】

提到立体主义,很多人不是很明白它的真正含义。拿起一幅画,觉得自己就像是面对一个破碎的水杯,上面全都是支离破碎看似毫无关联的碎片。

毕加索循规蹈矩的做了多年的画,一直在思考着变化。那个时候,早就已经出现了相机这种神物,所以说绘画其实已经失去了原有的作用。人们不再需要通过作画来表现什么,因为照下来的画面要比画下来的更具说服力。所以毕加索认为他有必要画一点新的东西,至少是相机体现不了的东西。

其实立体主义不难理解,T君教大家一个方法直观的理解这种风格。相信大家都画过正方体,那么你就知道不管我们怎么努力,最多只能呈现这个正方体的三个面。而立体主义就是要将隐藏的部分画出来,展现四个面、五个面、甚至六个面。

相信这幅《亚维农少女》很多人都看过,这幅画是立体主义的开山之作,尽管早在立体主义时期开始前就完成了。

在现代绘画中,绘画和标题的关系想必让很多人狂汗,可以说两者的关系基本可以忽略... 光听标题大概不会猜出画面的内容,当然了,对着画面,也绝对不会想出它出人意表的题目。

毕加索这幅《亚维农少女》,亦是如此。该画原先的构思,是以性病的讽喻为题, 取名《罪恶的报酬》,这在最初的草图上一目了然,而画上的模特也是名副其实的红灯区妓女;草图上有一男子手捧骷髅,让人联想到一句西班牙古老的道德箴言:“凡事皆是虚空”。然而在此画正式的创作中,这些轶事的或寓意的细节,都被画家一一去除。它最终的震撼力,并不是来自任何文学性的描述,而是来自它那绘画性语言的感人力量。

毕加索试图用原始艺术来摧毁古典审美。画面的呈现,破坏了常规形态,却又将破坏的恢复得井井有条:无论是形象还是背景,都被分解为带角的几何块面。

《亚维农少女》在当时被全盘否定。斯坦因说:他想创造四度空间(以往绘画展示的是三维透视);马蒂斯说:“这是一种暴行,是企图嘲笑现代运动,发誓要让毕加索沉下去,来捍卫我们的尊严”;波拉克评论:“这好像在表示我们应该换换口味,用麻屑和石蜡来代替我们吃惯的东西”;德兰打起耳语:“我们总有一天会看到毕加索吊死在他这幅油画后面”;一位俄国收藏家说:“对法国艺术来说(毕加索定居法国时期)这是多么大的损失啊!”

这个时期的毕加索似乎非常沉迷乐器,吉他更是频繁的出现在他的画作之中。下面两幅是他立体主义的代表作:

未完待续

>>> 西班牙名家名画欣赏系列:毕加索(一)